A escultura é uma arte que promove diálogo entre diferentes perspectivas e convida à reflexão sobre nossa existência e nossa relação com o mundo. No Brasil, essa forma de expressão passou por diversas transformações ao longo do tempo, refletindo valores, heranças e a riqueza cultural do país. A seguir, saiba mais sobre a história, os movimentos e os artistas da escultura brasileira.
A história da escultura brasileira
A escultura é tida como a segunda arte clássica e, no Brasil, abrange uma gama de movimentos e artistas renomados. A história da escultura brasileira remonta às influências dos indígenas: antes da chegada dos europeus, os povos originários já criavam esculturas retratando aspectos culturais e simbólicos, a partir de materiais como pedra, madeira e argila.
A escultura colonial
No Brasil, a criação escultórica passou por uma significativa transformação com a chegada dos colonizadores. Na época, a produção originária foi altamente influenciada por padrões do academicismo europeu, especialmente por via de artistas portugueses e italianos.
Em sua grande maioria, as esculturas coloniais retratavam, com grande realismo, temas religiosos e figuras como anjos, santos e cenas bíblicas. Essas obras eram feitas em pedra-sabão ou madeira policromada e expressavam a devoção religiosa da sociedade colonial nas capelas e igrejas de todo o país.
O modernismo
Quando o academicismo entrou em crise, novos movimentos artísticos surgiram, entre eles, o modernismo, no início do século XX. A escultura, então, passou a ser vista como uma forma de expressão livre e assumiu uma abordagem experimental. Nela, os artistas criavam obras ousadas que transmitiam emoções e reflexões sobre a sociedade brasileira, rompendo o convencionalismo da época anterior.
No movimento modernista, escultores brasileiros exploraram novos materiais e técnicas, formas abstratas que rompiam com padrões estéticos tradicionais e uma busca por uma identidade artística que valorizasse as raízes culturais do país.
A arte contemporânea
A partir da década de 1950, a arte contemporânea começa a se estabelecer no Brasil. Assim, amplia-se ainda mais a liberdade de pesquisa e criação e, com isso, o número de vertentes estéticas. Nesse período, a escultura brasileira continuou sendo reinventada, ganhando novas técnicas e materiais e retratando temas como tecnologia, identidade e sustentabilidade. As obras dos artistas contemporâneos passam a desafiar os limites da matéria e convidam o público a refletir sobre questões sociais e ambientais.
Escultura popular
Na história da escultura brasileira, o movimento popular exerceu o importante papel de fomentar uma identidade nacional, representar diferentes tradições regionais, valorizar artesãos locais e propagar as raízes culturais do Brasil.
As obras da escultura popular contemplam materiais diversos, do barro à cerâmica, da madeira ao metal. As peças retratam cenas cotidianas, a vida rural, o folclore e a mitologia, as festividades e outras temáticas da cultura popular que transmitem senso de comunidade e pertencimento.
Leia mais: Exposições de longa duração em Curitiba para conferir em 2025
Escultores que fizeram história
Ao longo dos séculos XVI em diante, uma série de nomes contribuíram para consolidar uma trajetória rica e diversificada na história da escultura brasileira, das expressões indígenas pré-coloniais às experimentações contemporâneas.
O maior artista colonial do Brasil
Um dos nomes de grande destaque do período colonial é Antônio Francisco Lisboa, mais conhecido como Aleijadinho. Ele é considerado o maior artista colonial do Brasil e o maior escultor barroco das Américas, por seu legado de obras religiosas em estilo barroco e rococó.
Entre suas esculturas mais conhecidas, há um conjunto de 66 imagens esculpidas em madeira que retratam, com alta dramaticidade, todos os passos de Jesus Cristo até a ressureição. Outra obra de destaque de Aleijadinho são os doze profetas trabalhados em pedra-sabão – uma das matérias-primas mais utilizadas pelo artista – e expostos no santuário de Bom Jesus de Matosinhos (MG).
Um precursor da escultura modernista brasileira
Victor Brecheret é considerado um precursor da escultura modernista brasileira, pois foi um dos primeiros a romper com o academicismo e incorporar influências modernistas na criação escultórica do país.
A trajetória desse vanguardista foi marcada pelo uso de diferentes técnicas de escultura, que incluíam mármore e terracota, assim como a busca por temas mais relevantes para a cultura brasileira. Obras como “Monumento às Bandeiras”, no Parque Ibirapuera, e “Fauno”, no Trianon Parque – ambas em São Paulo –, são alguns destaques da produção do artista ítalo-brasileiro.
Um marco na arte contemporânea
Francisco Brennand é um dos principais nomes da escultura contemporânea brasileira, com obras expostas no mundo todo. Brennand se consagrou ao criar um universo artístico próprio que une tradição, experimentação e misticismo e que teve como base o uso da cerâmica.
Um grande marco de sua carreira é a Oficina Brennand, em Recife, uma verdadeira imersão no universo artístico do escultor, construído sobre as ruínas da antiga fábrica de cerâmica da família. Nesse museu a céu aberto, há mais de 2 mil obras expostas, entre pinturas, murais, desenhos, painéis, esculturas monumentais e objetos cerâmicos.
União entre arte e arquitetura, pela Construtora Laguna
Como um incentivo à cultura e um diferencial de exclusividade, a arte se faz presente em cada imóvel-arte da Construtora Laguna, que tem como um dos propósitos tornar as cidades mais belas e melhores para viver.
No PINAH, por exemplo, as obras de arte tiveram curadoria da Galeria Zilda Fraletti, em conjunto com o escritório Jayme Bernardo e a Laguna. As peças escolhidas se relacionam com os elementos da natureza presentes no residencial.
Logo na entrada, uma bela obra exibe a técnica de um dos principais nomes da escultura mundial: Alfi Vivern. Feita exclusivamente para o empreendimento, a peça revela as possibilidades da pedra por meio de cortes e linhas na matéria-prima. A escultura de Alfi Vivern encanta moradores e transeuntes pelo impacto visual e pela harmonia, beleza e textura que tornam a entrada do PINAH ainda mais especial.
Ainda no imóvel-arte, uma imponente escultura de alumínio ornamenta o hall de entrada com formas orgânicas que se replicam verticalmente, em harmonia com as demais formas do ambiente. Assinada pela artista plástica Marilene Ropelato, a peça desafia a rigidez dos materiais ao assumir traços sinuosos entrelaçados que despertam encanto e curiosidade e direcionam o olhar para além da própria obra.
Já as duas pinturas de Cristina Barrancos, nos acessos aos elevadores, inspiram-se no bosque de araucárias do empreendimento e simbolizam a essência da experiência humana. As obras se destacam pela perfeita harmonia entre elementos orgânicos abstratos, cores e formas.
Outro conjunto de pinturas presente no PINAH é o trio de obras de Ana Serafin, que, por meio da linguagem abstrata, convidam o observador a contemplar uma riqueza de detalhes, cores e silhuetas que emocionam e aproximam. Também faz parte do acervo do empreendimento uma tela de Eduardo Bragança, pintada em tempo real durante o evento de lançamento do PINAH.
Em frente à Galeria Laguna, por sua vez, uma escultura com mais de 3 metros de altura chama a atenção de todos que transitam pela Av. do Batel. Assinada por Emanoel Araújo, a obra consiste em uma estrutura de ferro fundido que simboliza a vida e a trajetória do artista, com cores fortes e linhas geométricas que caracterizam o seu legado.
O próximo lançamento da Laguna, o ZAHI, será marcado pela curadoria exclusiva da Simões de Assis. A galeria irá participar do processo do imóvel-arte desde a escolha das obras de arte até a colocação das peças. Em breve, o Batel visto por um novo prisma!
Fonte: Laart e Cultura NF